Tidløse Disney-klassikere som overgår moderne animasjonsfilmer

Animasjon har kommet ekstraordinært langt opp gjennom årene. Moderne studioer kan skape verdener som ville vært utenkelig da WaltDisneyAnimation-kreativene tegnet hvert bilde for hånd, og filmer som Spider-Man: Across the Spider-Verse har vist hvor mye lenger mediet fortsatt kan skyves. Bedre teknologi betyr imidlertid ikke automatisk en bedre film.

Noen av Disneys klassiske klassikere er fortsatt vanskelige å slå, selv tiår senere. Disse animasjonsfilmene var ikke redde for å skremme barn, gi skurkene deres genuint ubehagelige motivasjoner, og kunne på en eller annen måte fortelle komplette historier uten å trenge lengre visningstider for å gjøre det. Fra en film utgitt i 1940 til det aller beste fra Disney-renessansen, disse syv klassikerne gjør fortsatt visse ting bedre enn de fleste moderne animasjonsfilmer.

Det er scener i The Hunchback of Notre Dame hvor det er vanskelig å tro at Disney laget en barnefilm. Quasimodo bruker livet på å bli manipulert av mannen som oppdro ham, og Esmeralda blir forfulgt på grunn av hvem hun er. For ikke å nevne, klarer den foraktelige dommeren Claude Frollo å skremme seerne uten å ha en eneste magisk kraft; alt han trenger er den urokkelige troen på at alt forferdelig han gjør er fullstendig rettferdiggjort, og det faktum at han har så mye makt over andre gjør at han kan gjøre hva han vil.

Så er det den tidløse «Hellfire». Frollo kjemper med begjæret sitt etter Esmeralda, klandrer henne for å få ham til å føle det, og bestemmer seg til slutt at hun må underkaste seg ham eller dø. Det er utrolig tungt materiale for en Disney-musikal, spesielt en som er utgitt med en G-rating. Hunchback of Notre Dameis ikke feilfri – gargoylene føler ofte at de har vandret inn fra en mye dummere film – men dens vilje til å takle fordommer, overgrep, religiøst hykleri og sjelden besettelse gir den litt animasjon i familien. Moderne animasjonsfilmer trenger ikke nødvendigvis å bli mørkere, men det ville vært fint å se flere av dem stole like mye på sine yngre publikummere som Hunchback of Notre Damedoes.

1 / 4

Ariel i Den lille havfruen

Det er lett å ta Den lille havfruen for gitt etter flere tiår med Disney-prinsesser om hva de vil ha fra livet. Gå tilbake til Ariel som synger «Part of Your World», og det er åpenbart hvorfor den formelen ble en formel. Før hun noen gang inngår en avtale med Ursula, forstår publikum nøyaktig hva Ariel vil, hvorfor livet under havet ikke er nok for henne, og hvorfor hun kan ta en åpenbart forferdelig avgjørelse hvis det gir henne sjansen til å oppleve noe mer.

Nesten alt i Den lille havfruen har en hensikt. Sebastian gir komedie, men representerer også den verden Ariel ønsker å rømme; Ursula er utrolig morsom, men tilbyr faktisk Ariel akkurat det hun er desperat nok til å akseptere, og til og med sangene fortsetter å presse karakterene og historien fremover. Det hele varer i omtrent 83 minutter, men for hvert sekund Den lille havfruen spiller, fungerer hvert element med maksimal effekt og lite bortkastet innsats. Ariel, Eric, Ursula, Sebastian og til og med Flyndre etterlater alle et tydelig inntrykk, og selv om mange moderne animasjonsfilmer er større enn Den lille havfruen, er det få som er så sikre på seg selv hele veien.

Mulan var en bemerkelsesverdig progressiv film for Disney i 1998. Dens titulære heltinne lever i et samfunn med veldig spesifikke forventninger til hva en kvinne skal være, og åpningen gjør det klart hvor dårlig hun passer inn i dem. Mulan forventes å bringe ære til familien sin ved å bli en passende brud, mens mennene rundt henne får lov til å definere seg selv gjennom styrke og militærtjeneste. Hun avviser ikke disse forventningene fordi Mulan avslører at hun i all hemmelighet er en stor soldat heller, for når hun først blir med i militæret forkledd som en mann, er hun faktisk forferdelig til det.

Men det er det som gjør Mulans eventuelle suksess så tilfredsstillende, og hvorfor Disney-filmen fortsatt holder stand. Hun blir en dyktig soldat gjennom utholdenhet og oppfinnsomhet, og hun trenger aldri å bevise at hun er fysisk sterkere enn de andre rundt henne. Hun beseirer Hun-hæren ved å tenke utenfor boksen, og når Shan Yu når keiserbyen, er det Mulans plan som til slutt redder keiseren. Ideen om at en kvinne ikke skal måtte innordne seg verken tradisjonell maskulinitet eller femininitet for å bevise at hun er verdt, føles imponerende forut for sin tid, og med tanke på hvordan Mulane lærer heltens transformasjon, er det betydelig mer givende å se reisen hennes.

1 / 3

Jasmine og Aladdin i Aladdin

Det kan aldri bli en annen animert karakter som Robin Williams' Genie. Mange animasjonsfilmer har rekruttert komikere siden Aladdin, men å bare sette en morsom kjendis bak en mikrofon er ikke alltid det samme. Genie føles helt uforutsigbar; han endrer stemmer, raser gjennom inntrykk og forvandler seg fra en latterlig gag til en annen før Aladdin, eller publikum, rekker å ta igjen. Heldigvis ville Aladdin fortsatt jobbet uten ham.

Aladdin tilbringer mye av filmen overbevist om at det å være seg selv ikke er nok for prinsesse Jasmine, mens Jasmine er frustrert over at alle andre prøver å bestemme fremtiden hennes for henne. Jafar er akkurat den typen teaterskurk historien trenger, og sanger som "Friend Like Me" og "A Whole New World" forblir uatskillelige fra karakterene som fremfører dem. Moderne animasjonsfilmer kan kanskje pakke inn flere vitser per minutt, men Aladdin har noe mye vanskeligere å produsere: personlighet. Mer enn 30 år senere er det fortsatt ingenting polert eller anonymt ved det.

Pinocchio kom ut i 1940, og deler av den er fortsatt mer skremmende enn filmer laget for å skremme barn. Pleasure Island ser i utgangspunktet ut som alle barns drøm: ingen skole, ingen regler og tilsynelatende ingen konsekvenser. Så begynner guttene å bli til esler – en av dem gråter etter moren sin mens forvandlingen tar over, mens andre blir samlet og solgt bort. Pinocchio avslører heller ikke noen heroisk redning rundt hjørnet for dem.

Disneys vilje til å la konsekvensene faktisk gjøre vondt er en av grunnene til at Pinocchio fortsatt holder ut nesten 90 år senere. Filmen kan være sjarmerende og morsom, spesielt når Jiminy Cricket er på skjermen, men den forstår også at et eventyr har lov til å være skummelt. Pinocchio gjør feil gjentatte ganger, og verden blir ikke ufarlig bare fordi han er et barn. Selv Monstro føles enorm og farlig når historien når sitt klimaks. Selvfølgelig har moderne barnefilmer fordelen av sofistikert animasjon, men Pinocchio har langt mer sofistikert historiefortelling enn mange andre nyere utgivelser.

Å bli den første animasjonsfilmen som ble nominert for beste bilde er ingen liten prestasjon, men Beauty and the Beast forvaltet denne prestasjonen i 1991, samtidig som den ble årets tredje mest innbringende film og befestet arven som en av tidenes beste animasjonsfilmer. Til tross for årene mellom Beauty and the Beasts utgivelse og nå, har filmens mottakelse aldri sviktet. Den har den feiende romantikken til et klassisk Hollywood-bilde, fra den nydelige ballsalsekvensen og det enorme «Be Our Guest»-nummeret til mobben som drar ned på slottet.

Selv tre tiår senere føles Beauty and the Beast fortsatt storslått på en måte som få moderne filmer forsøker, og den er ikke flau over sin eventyrlige melodrama eller emosjonelle oppriktighet. En moderne film vil kanskje punktere følelsene med vitser, og det er imponerende at Beauty and the Beastnever går i den fellen. Belle var også et banebrytende skifte bort fra den typiske passive heltinnearketypen, og Gastons utseende forsøkte noe få andre filmer hadde, siden hans kjekke utseende bare var en fasade for hans mørkt realistiske giftige maskulinitet. Moderne animasjonsfilmer kan være morsommere, raskere eller mer teknisk imponerende, men de er sjelden så banebrytende, uforskammet romantiske og følelsesmessig oppriktige som Beauty and the Beast.

De fleste animasjonsfilmer ville være heldige å gjøre én ting så vel som Løvenes Konge. Disneys klassiker fra 1994 har en av sine største skurker i Scar, uforglemmelig tegneserierelieff i Timon og Pumbaa, et Oscar-vinnende partitur fra Hans Zimmer, og sanger som har blitt nesten umulig å skille fra Disney selv. "Circle of Life" etablerer umiddelbart Løvenes konges skala før et eneste ord av dialog er sagt, og Mufasas død knuste alle publikumsmedlemmers hjerter fordi filmen nøye hadde laget deres far-sønn-forhold på forhånd.

Alt dette er imponerende, men Løvenes Konges største styrke er hvor selvsikkert den snakker til barn uten å snakke ned til dem. Løvenes Konge skynder seg ikke forbi konsekvensene av Mufasas død fordi ting blir ubehagelig og opprørende, og i stedet bruker Simba år på skyldfølelse over det som skjedde. Å vende tilbake til Pride Rock betyr å konfrontere år med traumer han har brukt mesteparten av livet på å unngå. Løvenes konge stoler på at de yngre seerne forstår døden, sorgen og ansvaret, men den er ikke fastlåst av de tyngre temaene.

Timon og Pumbaa er oppriktig morsomme hele veien, sangene er smittende, og det endelige oppgjøret gir akkurat det skuespillet seerne har forventet av en Disney-film. På mange måter, mens moderne animasjonsfilmer velger mellom utfordrende og underholdende publikum, gjør The Lion Kingsimply begge deler.