Unterschätzte JRPGs, die Persona 5 mit überlegenen Soundtracks in den Schatten stellen, Rangliste

Während das Gameplay bei der Entscheidung darüber, ob ein Spiel „gut“ oder „schlecht“ ist, Vorrang hat, ist die Musik ein Aspekt, der meines Erachtens stark meinen Spaß an einem Spiel bestimmt. Ein richtiger Soundtrack ist der Schlüssel zum Eintauchen und zum Aufbau einer Welt von Grund auf. Begegnungen fühlen sich greifbarer und riskanter an, während intensive Momente mit Charakteren verstärkt werden. Insbesondere JRPGs haben eine Art, Musik zu kultivieren, die Spieler anspricht und eine Welt aus Pixeln mit sorgfältig durchdachten, überall verstreuten Tracks Wirklichkeit werden lässt. Während einige wenige Titel beeindruckende, mitreißende Titel bieten, scheint Persona 5 der König von allen zu sein, mit der Musik von Shoji Meguro, einem Meister seines Fachs.

Er ist vor allem für seine stilvollen Jazz- und Funk-Met-Rock-Tracks über die Personaseries bekannt, aber Meguro hat auch an Spielen wie Catherine, Devil Summoner: Soul Hackers und Super Smash Bros. Ultimate mitgearbeitet und jedem Titel sein charakteristisches Flair verliehen. Die Musik von Persona 5 ist den anderen überlegen, mit unvergesslichen Titeln wie „Life Will Change“ und „Last Surprise“, die die Fans beim Spielen auf eine Reise mitnehmen. Auch wenn „besser“ subjektiv ist, gibt es ein paar unterschätzte JRPGs, die mit der musikalischen Wirkung von Persona 5 mithalten können und in der Soundtrack-Abteilung genauso stark, wenn nicht sogar stärker sind, mit Hits, die nie von meiner Playlist verschwinden werden. Unten habe ich einige meiner unterschätzten JRPG-Favoriten geteilt, die mit der Musik von Persona 5 konkurrieren, eine äußerst beeindruckende Leistung.

1 / 3

Bild über Tri-Crescendo

Dies ist für Fans klassischer Musik. Der Soundtrack von Eternal Sonata ist ein einzigartiger Fall, da es im Spiel im Wesentlichen nur um Musik geht; klassische Musik, um genau zu sein. Der Soundtrack enthält Originalmusik von Motoi Sakuraba sowie klassische Klavierstücke von Frederic Chopin, einem der vielen Großen der Musikgeschichte. Die Handlung des Spiels dreht sich um die letzten Stunden in Chopins Leben, die zu seinem Tod an Tuberkulose führten. In diesem JRPG kämpfen Spieler in rundenbasierten Kämpfen an der Seite des berühmten Pianisten und durchlaufen acht Kapitel, die sich um ein bestimmtes Werk von Chopin drehen. Im Wesentlichen steuern die Spieler einen Chopin im Anime-Stil, während er und eine Gruppe anderer Chibi-Figuren gegen Monster kämpfen.

Der wundervolle und seltsame Soundtrack enthält eine Menge echter Solo-Klavieraufnahmen von Chopins Musik, brillant dargeboten von den Pianisten Stanislav Bunin und/oder Peter Schmalfuss, wobei bemerkenswerte Werke wie „Raindrops“ und „Fantaisie-Impromptu“ in Kampfsequenzen, Zwischensequenzen und Kapitelzwischenspielen auftauchen. Es gibt keine Worte, um Chopins meisterhaftes Werk zu beschreiben, aber den Klang würde ich als intim und ausdrucksstark beschreiben. Es macht Spaß, „Fantaisie-Impromptu“ zu hören, besonders wenn es in Bosskämpfe eingebunden ist, weil es elektrisierend und schnell ist, aber mit langsameren, romantischeren Momenten auf den Boden der Tatsachen zurückgeführt wird.

Die Originalstücke von Sakuraba machen den größten Teil des Soundtracks des Spiels aus. Der Komponist schuf Musik, die Chopins Klavierwerk am besten ergänzen würde. Das daraus resultierende Werk ist intensiv, grandios, rocklastig und macht jede Menge Spaß. In den Boss-Sequenzen sticht die Arbeit des Komponisten wirklich hervor. „Scrap and Build Ourselves“ ist einer meiner Favoriten. Der Titel ist voller Dramatik und behält immer noch den Klavierklang bei, um nicht mit dem klassischen Musikgefühl zu kollidieren, sondern baut sich mit Hilfe eines epischen Refrains auf und steigert sich. Ziel dieses Spiels war es, ein jüngeres Publikum mit Chopins Werk vertraut zu machen und ihm zu zeigen, wie zeitlos seine Musik fast 177 Jahre später tatsächlich ist. Für ein halb vergessenes PS3-JRPG schafft es das auf jeden Fall.

1 / 3

Bild über Nautilus

Düster und launisch, Shadow Hearts liegt mir voll am Herzen, mit Horror und übernatürlichen Elementen. Diese werden von einem kleinen Team unter der Leitung von Yoshitaka Hirota in den Soundtrack übersetzt. Hirota komponierte im Laufe der Jahre Musik und Soundeffekte für mehrere ikonische RPGs und JRPGs, darunter Titel wie Final Fantasy 6, Final Fantasy 7, Final Fantasy 8, Chrono Trigger und Parasite Eve unter seinem sprichwörtlichen Gürtel. Der Soundtrack von Shadow Hearts spielt in einer düsteren, übernatürlichen Version der Erde zwischen 1913 und 1914, kurz vor dem Ersten Weltkrieg, und spiegelt die Atmosphäre wider. Er zeichnet sich durch tiefe Glocken, dröhnende Bässe und aufbauende Orchestermomente aus, die mitten im Kampf einsetzen und dabei den Einsatz erhöhen.

Während es im Soundtrack Momente mit hoher Dynamik gibt, gibt es auch einige ruhigere Momente, die ein Gefühl des Unbehagens erzeugen, indem dissonante Töne verwendet werden, die für das Ohr seltsam oder seltsam klingen. Bei Titeln wie „Reckless“, „Angel Heart“ und „Someone’s Table“ sträuben sich mir die Nackenhaare. Das sind keine Stücke, die man herumsitzen und studieren kann; Sie sind atmosphärisch und erzeugen beim Hören ein bestimmtes Gefühl wie Angst oder Unruhe. Der Soundtrack bietet auch eine gute Balance zwischen sanften und beruhigenden Momenten, die eher beruhigend als beängstigend sind. „Alice“ ist ein perfektes Beispiel dafür, immer noch leicht unheimlich mit seinem Spieluhr-Feeling, aber auch wie ein Schlaflied.

Spiel-Soundtracks weisen in der Regel auch spezifische Facetten auf, die von einem Hauptkomponisten eingebracht wurden, sei es die Priorisierung eines Hauptinstruments oder die Schaffung eines eindeutigen Klangs, der überall wieder auftaucht. Während die Spieler zuhören, werden sie neben dem Cello auch ein paar Stücke mit viel Bassgitarre, einem Spezialinstrument von Hirota, wahrnehmen. Ich mochte schon immer die Art und Weise, wie insbesondere Horrorspiele einen begleitenden Soundtrack erstellen. Beim Zuhören kann ich oft deutlich erkennen, dass sich die DNA des Spiels widerspiegelt, wobei die Themen als zentraler Leitfaden dienen, der die musikalischen Entscheidungen des Komponisten beeinflusst. Das wird in der Musik von Shadow Heart deutlich, denn die Titel sollen die Spieler in eine bestimmte Zeitspanne versetzen und sie mit Momenten der Gnade in Aufruhr versetzen.

1 / 3

Bild über Omega Force

Wenn Spieler in ihrem Leben ein kleines Lager verpasst haben, sollte Wild Arms 5 genau das Richtige für Sie sein. Dieses rundenbasierte JRPG spielt auf dem Planeten Filgaia, wo Science-Fiction auf den Wilden Westen trifft, eine einzigartige Kombination, die mich stark an Cowboy Bebop erinnert. Der Soundtrack spiegelt die Umgebung perfekt wider und verbindet Spaghetti-Western-Vibes mit Rock und Jazz, eine Mischung, die dem Spiel ein stilistisches Flair verleiht, das seinesgleichen sucht. Ich kann zwar nicht sagen, dass ich ein Western-Fan bin, aber Titel wie „Boy Meets a Girl and ARMs“ und „When the Heart Ignites“ weckten in mir den Wunsch, einen Cowboyhut aufzusetzen und zu Pferd über die weiten Ebenen zu galoppieren.

Lead Sound Director und Komponist Junya Ishiguro arbeitete mit einem Team von Talenten zusammen, darunter Masashi Hamauzu, der vor allem für seine Arbeit an der Final Fantasy-Serie bekannt ist. Viele der Battle-Tracks sind rocklastig und stimmen die Spieler auf einen Kampf epischen Ausmaßes ein, während in Tracks wie „A Muzzle Dancing in Hatred“ Violin- und Orchestermomente zu hören sind. Insbesondere dieser Titel muss einer meiner Favoriten sein, da er den klassischen Western-Sound mit etwas dröhnenderem und wirkungsvollerem verbindet.

Das Eröffnungsriff besteht aus einer schwülen Gitarrenlinie, die sich beschleunigt und ihren Schwung mithilfe von Geigen und elektronischen Schichten aufrechterhält. Seltsamerweise drücke ich den StairMaster, während dieser Titel abgespielt wird. Sein Schwung treibt mich voran, selbst wenn die Müdigkeit einsetzt. „When the Heart Ignite“ ist ein weiteres zeitloses Stück, stark gewürzt mit westlichen Motiven und einer gepfiffenen Melodie, die mich sofort in Stimmung bringt. Der Soundtrack von WildArms5 verbindet Genres so geschickt miteinander, dass er mich ständig an Persona5 erinnert und ich immer wieder zu bestimmten Songs zurückkehre, wenn ich einen Energieschub brauche.

1 / 3

Bild über Sacnoth

Koudelka ist ein JRPG im Horror-Stil, dessen unheimliche Orchestermusik und raue Kampfmusik die Atmosphäre des Spiels perfekt widerspiegeln. Interessante Tatsache: Es fungiert als Vorläufer von ShadowHearts, einem weiteren Titel, der auf dieser Liste aufgeführt ist. Die Geschichte spielt sich in Wales im Jahr 1898 ab, wo drei Entdecker in ein unheilvolles Nemeton-Kloster verwickelt werden. Während sie die düstere Vergangenheit des Klosters erforschen, entdecken sie, dass die Dinge weitaus unheimlicher sind, als sie scheinen. Stellen Sie sich Koudelka als das ursprüngliche ResidentEvil vor, das mit FireEmblem:ThreeHouses kollidiert – komplett mit beunruhigenden vorgerenderten Hintergründen, statischen Kamerapositionen, Puzzle-Elementen und einem rasterbasierten taktischen Kampfsystem.

Unter Berücksichtigung der Handlung und der Atmosphäre soll der resultierende Soundtrack eindringlich und schön sein. Chöre, die arrangierte biblische Stücke und sanfte, düstere Geigen singen, werden mit fröhlichen Industrial-Tracks kontrastiert, die von kräftigen Trommeln wie „Kiss Twice“ oder „Patience“ unterbrochen werden und klingen, als wären sie einem Crash-Bandicoot-Spiel entsprungen. „Dead“ ist einer meiner Favoriten, mit einem Streicharrangement von Nick Ingman. Der Track ist unglaublich schön und traurig, ohne zusätzliche Percussion, nur Streicher.

„Waterfall“ ist ein besonders beliebtes Lied, das während des Kampfes gespielt wird. Dies ist ein weiterer fröhlicher Eintrag, der durch ein konstantes Tamburin und etwas, das wie eine Panflöte klingt, eine mittelalterliche Atmosphäre vermittelt. Koudelkas Soundtrack ist voller großartiger Momente für Horror- und Action-Adventure-Fans. Kampfsequenzen sind fröhlich, während spannungsgeladene Momente musikalisch untermalt werden, die den Zuhörer in ein dunkles walisisches Kloster mit noch dunkleren Geheimnissen entführt.

1 / 3

Bild über ArtePiazza

Wenn Sie auf der Suche nach etwas Skurrilem und Lustigem sind, das Sie sich auf der Heimfahrt (oder wie ich beim Schreiben) anhören können, ist Opoonas Soundtrack genau das Richtige für Sie. Jeder Song ist äußerst atmosphärisch und hat ein völlig einzigartiges Gefühl, wie ich es noch nie zuvor oder seitdem gehört habe. Ich kann den Soundtrack dieses Wii-JRPGs am besten als „funkig“ beschreiben, mit hier und da Orchestermomenten, gemischt mit Elektronik und Techno, die mich dazu bringen, aufzustehen und zu Grooven.

Nach einer Bruchlandung auf einem mysteriösen Planeten namens Landroll wird der junge Außerirdische Opoona von seinen Eltern getrennt. Das kleine Wesen muss lernen, alleine in einer neuen Welt zu überleben und sich selbst ein neues Leben aufzubauen. Wenn man Opoonas Reise im Hinterkopf behält, ergibt die Musik viel mehr Sinn. Der Sound von Hitoshi Sakimoto hat etwas Fantastisches. Titel wie „Beginning“ und „Opoona“ bereiten den Spieler auf das Kommende vor und führen ihn in eine unbekannte Welt ein. „Opoona's Step“ ist einer meiner Lieblingssongs, ein sich wiederholender kleiner Ausflug, der Opoonas Schritte in eine brandneue Welt einfängt, mit frischem Gesicht und großen Augen.

Jeder Titel soll ein Gefühl des Staunens vermitteln, mit unbekannten Melodien und Instrumenten, die mit Standardbeats vermischt werden, um ein Alien-ähnliches Gefühl zu erzeugen. Die seltsame Welt ist für Spieler neu, ebenso wie die Musik, die sie mit sich bringt. Wenn ich diese Titel mit etwas vergleichen könnte, das ich zuvor gehört habe, wäre es Björks Biophilia-Album. Jeder Klang ist einzigartig, weil er ein bestimmtes Gefühl hervorrufen soll. Zu meinen Lieblingstiteln gehören „Space Ship“, das experimentell ist und so viel Spaß macht, sowie „Earth Prison“, das im Gegensatz zum Rest des Soundtracks düsterer und düsterer ist.