JRPG sous-estimés qui surpassent Persona 5 avec des bandes sonores de qualité supérieure, classés

Même si le gameplay a pris le dessus pour déterminer si un jeu est « bon » ou « mauvais », une facette qui, à mon avis, détermine fortement mon plaisir à l'égard d'un jeu est sa musique. Une bande-son appropriée est la clé de l’immersion, qui permet de construire un monde à partir de zéro. Les rencontres semblent plus tangibles et les enjeux sont plus élevés, tandis que les moments intenses avec les personnages sont amplifiés. Les JRPG, en particulier, ont une façon de cultiver une musique qui parle aux joueurs, faisant d'un monde de pixels une réalité avec des pistes soigneusement pensées dispersées partout. Alors qu'une poignée de titres proposent des morceaux impressionnants, Persona 5 semble être le roi de tous, avec une musique composée par Shoji Meguro, un maître dans son métier.

Il est surtout connu pour ses morceaux stylés de jazz et de funk-met-rock via la série Personaseries, mais Meguro a également travaillé sur des jeux comme Catherine, Devil Summoner: Soul Hackers et Super Smash Bros. Ultimate, apportant sa touche distinctive à chaque titre. La musique de Persona 5 est un cran au-dessus des autres, avec des morceaux mémorables comme "Life Will Change" et "Last Surprise" qui emmènent les fans dans un voyage pendant qu'ils jouent. Bien que « mieux » soit subjectif, quelques JRPG sous-estimés correspondent à l'impact musical de Persona 5, tout aussi fort, sinon plus fort, dans le département de la bande originale, avec des succès qui ne quitteront jamais ma playlist. Ci-dessous, j'ai partagé certains de mes favoris JRPG sous-estimés qui rivalisent avec la musique de Persona 5, un exploit extrêmement impressionnant.

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Image via tri-Crescendo

Celui-ci est destiné aux fans de musique classique. La bande originale d'Eternal Sonata est un cas unique, puisque le jeu est essentiellement axé sur la musique ; la musique classique, pour être précis. La bande originale présente la musique originale de Motoi Sakuraba ainsi que des pièces pour piano classique de Frédéric Chopin, l'un des nombreux grands de l'histoire de la musique. L'intrigue du jeu se concentre sur les dernières heures de la vie de Chopin jusqu'à sa mort de la tuberculose. Dans ce JRPG, les joueurs combattent aux côtés du célèbre pianiste dans des combats au tour par tour, à travers huit chapitres centrés sur une œuvre spécifique de Chopin. Essentiellement, les joueurs pilotent un Chopin de style anime alors que lui et une escouade d'autres personnages chibi combattent les monstres.

Merveilleuse et étrange, la bande originale présente une multitude d'enregistrements pour piano solo de la musique de Chopin, brillamment interprétés par le pianiste Stanislav Bunin et/ou Peter Schmalfuss, avec des œuvres remarquables comme "Raindrops" et "Fantaisie-Impromptu" apparaissant lors de séquences de bataille, de cinématiques et d'interludes de chapitre. Il n'y a pas de mots pour décrire le travail magistral de Chopin, mais le son est ce que je décrirais comme intime et expressif. "Fantaisie-Impromptu" est amusant à entendre, particulièrement intégré aux combats de boss car il est électrisant et rapide, mais ramené sur terre avec des moments plus lents et plus romantiques.

Les pièces originales de Sakuraba constituent l'essentiel de la bande originale du jeu. Le compositeur a créé une musique qui complèterait au mieux le travail de Chopin au piano. Le travail qui en résulte est intense, grandiose, rock-heavy et très amusant. Les séquences de boss sont vraiment là où le travail du compositeur brille. "Scrap and Build Ourselves" est l'un de mes préférés. Le morceau est plein de drame et conserve toujours cette ligne de piano afin de ne pas entrer en conflit avec la sensation de musique classique, mais construit et crescendos avec l'aide d'un refrain épique. Le but de ce jeu était de faire découvrir l'œuvre de Chopin au jeune public, en leur montrant à quel point sa musique est intemporelle près de 177 ans plus tard. Pour un JRPG PS3 semi-oublié, il réussit certainement.

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Image via Nautilus

Sombre et maussade,Shadow Heartsest tout à fait dans mon allée avec des éléments d'horreur et surnaturels. Celles-ci sont traduites dans la bande originale par une petite équipe dirigée par Yoshitaka Hirota. Hirota a composé de la musique et des effets sonores pour plusieurs RPG et JRPG emblématiques au fil des ans, avec des titres comme Final Fantasy 6, Final Fantasy 7, Final Fantasy 8, Chrono Trigger et Parasite Eve à son actif. Se déroulant dans une version sombre et surnaturelle de la Terre vers 1913-1914, avant la Première Guerre mondiale, la bande originale de Shadow Hearts est un miroir de son atmosphère, avec des cloches profondes, des basses retentissantes et des moments orchestraux qui marquent le milieu du combat, faisant monter les enjeux dans le processus.

Bien qu'il y ait des moments à indice d'octane élevé dans la bande-son, il y a aussi des moments plus calmes qui créent un sentiment de malaise, en utilisant des notes dissonantes qui sonnent bizarrement ou étrangement à l'oreille. Des morceaux comme « Reckless », « Angel Heart » et « Someone's Table » me font dresser les cheveux sur la nuque. Ce ne sont pas des pièces sur lesquelles s’asseoir et étudier ; ils sont atmosphériques, créant une émotion spécifique comme la peur ou l'anxiété lorsqu'ils sont écoutés. La bande-son présente également un bon équilibre de moments doux et rassurants qui se concentrent sur l’apaisement plutôt que sur l’effrayant. "Alice" en est un parfait exemple, toujours un peu inquiétant avec son côté boîte à musique mais aussi berceuse.

Les bandes sonores des jeux présentent également généralement des facettes spécifiques apportées par un compositeur principal, qu'il s'agisse de donner la priorité à un instrument principal ou de créer un son distinct qui réapparaît partout. Pendant que les joueurs écoutent, ils capteront une poignée de morceaux de guitare basse, un instrument spécialisé de Hirota, ainsi que le violoncelle. J'ai toujours aimé la façon dont les jeux d'horreur, en particulier, créent une bande-son d'accompagnement. Souvent, je peux clairement voir l'ADN du jeu se refléter pendant que j'écoute, avec des thèmes servant de fil conducteur clé qui éclaire les décisions musicales du compositeur. Cela est clair dans la musique de Shadow Heart, avec des morceaux destinés à amener les joueurs dans une période spécifique, les plongeant dans la tourmente avec des moments de répit.

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Si les joueurs ont manqué un petit camp dans leur vie, Wild Arms 5 devrait faire l'affaire. Ce JRPG au tour par tour se déroule sur la planète Filgaia, où la science-fiction rencontre le Far West, un combo unique qui me rappelle fortement Cowboy Bebop. La bande-son reflète parfaitement le décor, mêlant les vibrations du western spaghetti au rock et au jazz, un mélange qui donne au jeu une touche stylistique pas comme les autres. Même si je ne peux pas dire que je suis un fan de Western, des morceaux comme "Boy Meets a Girl and ARMs" et "When the Heart Ignites" m'ont donné envie d'enfiler un chapeau de cowboy et de parcourir les grandes plaines à cheval.

Le directeur sonore principal et compositeur Junya Ishiguro a travaillé aux côtés d'une équipe de talents, dont Masashi Hamauzu, surtout connu pour son travail sur la série Final Fantasy. De nombreux morceaux de bataille sont riches en rock, ce qui met les joueurs dans l'ambiance d'un combat aux proportions épiques, tandis que des moments de violon et d'orchestre peuvent être entendus dans des morceaux comme "A Muzzle Dancing in Hatred". Ce morceau, en particulier, doit être l’un de mes favoris, mélangeant ce son occidental classique avec quelque chose de plus retentissant et percutant.

Le riff d'ouverture présente une ligne de guitare sensuelle qui accélère, maintenant son élan à l'aide de violons et de couches électroniques. Bizarrement, je me retrouve à frapper le StairMaster pendant la lecture de cette piste ; son dynamisme me pousse en avant même lorsque la fatigue s'installe. «When the Heart Ignites» se démarque comme une autre pièce intemporelle, fortement parfumée de motifs occidentaux et d'une mélodie sifflée qui m'enflamme instantanément. La bande originale de WildArms5 tisse les genres si habilement qu'elle me rappelle constamment Persona5, et je reviens sans cesse à des chansons particulières chaque fois que j'ai besoin d'un regain d'énergie.

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Image via Sacnoth

Koudelka est un JRPG de style horreur dont la partition orchestrale étrange et la musique de combat robuste font parfaitement écho à l'atmosphère du jeu. Fait amusant : il agit comme un précurseur de ShadowHearts, un autre titre figurant sur cette liste. L'histoire se déroule au Pays de Galles en 1898, où trois explorateurs se retrouvent mêlés à un inquiétant monastère de Nemeton. En explorant le sombre passé du monastère, ils découvrent que les choses sont bien plus sinistres qu’il n’y paraît. Considérez Koudelka comme le ResidentEvil original entrant en collision avec FireEmblem:ThreeHouses, avec des arrière-plans pré-rendus troublants, des positions de caméra statiques, des éléments de puzzle et un système de combat tactique basé sur une grille.

En gardant à l’esprit l’intrigue et l’atmosphère, la bande-son résultante se veut envoûtante et belle. Des chœurs chantant des morceaux bibliques arrangés et un violon doux et sombre sont juxtaposés à des morceaux industriels optimistes ponctués de grosses batteries comme "Kiss Twice" ou "Patience", qui sonnent comme s'ils avaient été arrachés à un jeu Crash Bandicoot. "Dead" est l'un de mes préférés, avec un arrangement de cordes de Nick Ingman. Le morceau est incroyablement beau et triste, dépourvu de toute percussion ajoutée, juste des cordes.

"Waterfall" est une chanson particulièrement appréciée qui joue pendant les combats. Il s'agit d'une autre entrée optimiste qui présente un tambourin constant et ce qui ressemble à une flûte de pan, conférant une ambiance médiévale. La bande originale de Koudelka est pleine de grands moments pour les fans d'horreur et d'action-aventure. Les séquences de bataille sont optimistes tandis que les moments tendus bénéficient d'un accompagnement musical qui transporte les auditeurs dans un sombre monastère du Pays de Galles avec des secrets encore plus sombres.

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Si vous cherchez quelque chose de décalé et d'amusant à écouter sur le chemin du retour (ou en écrivant comme moi), la bande originale d'Opoona fera l'affaire. Chaque chanson est extrêmement atmosphérique avec une sensation totalement unique qui ne ressemble à rien de ce que j'ai entendu avant ou depuis. La meilleure façon dont je peux décrire la bande originale de ce JRPG Wii est funky, avec des moments orchestraux ici et là, mélangés à de l'électronique et de la techno qui me donnent envie de me lever et de groover.

Après s'être écrasé sur une planète mystérieuse appelée Landroll, le jeune extraterrestre Opoona est séparé de ses parents. La petite créature doit apprendre à survivre seule dans un nouveau monde, en se créant toute seule une nouvelle vie. Avec le voyage d'Opoona à l'esprit, la musique prend beaucoup plus de sens. Il y a quelque chose de fantastique dans le son créé par Hitoshi Sakimoto. Des morceaux comme « Beginning » et « Opoona » préparent le joueur à ce qui va arriver, lui faisant découvrir un monde inconnu. "Opoona's Step" est l'un de mes morceaux préférés, une petite escapade répétitive qui capture les pas d'Opoona dans un tout nouveau monde, au visage frais et aux yeux écarquillés.

Chaque morceau est destiné à susciter un sentiment d'émerveillement, avec des mélodies et des instruments inconnus mélangés à des rythmes standards pour une sensation extraterrestre. Le monde étrange est nouveau pour les joueurs, tout comme la musique qui l’accompagne. Si je pouvais comparer ces morceaux à tout ce que j'ai entendu auparavant, ce serait l'album Biophilia de Björk. Chaque son est unique car il est là pour évoquer une sensation spécifique. Certains de mes morceaux préférés incluent "Space Ship", qui est expérimental et tellement amusant, ainsi que "Earth Prison", qui est plus sombre et plus granuleux en contraste avec le reste de la bande originale.