Niedoceniane gry JRPG, które przyćmiewają Personę 5 dzięki doskonałej ścieżce dźwiękowej, rankingowe

Chociaż rozgrywka ma pierwszeństwo przy określaniu, czy gra jest „dobra”, czy „zła”, aspektem, który moim zdaniem w dużym stopniu determinuje moją radość z gry, jest jej muzyka. Odpowiednia ścieżka dźwiękowa jest kluczem do immersji i budowania świata od podstaw. Spotkania są bardziej namacalne i wiążą się z wysokimi stawkami, a intensywne momenty z postaciami są wzmocnione. W szczególności gry JRPG kultywują muzykę, która przemawia do graczy, czyniąc świat pikseli rzeczywistością dzięki starannie przemyślanym utworom rozsianym po całym świecie. Choć kilka tytułów zawiera imponujące, wciągające utwory, Persona 5 wydaje się być królem z nich wszystkich, a muzykę skomponował Shoji Meguro, mistrz w swoim rzemiośle.

Najbardziej znany jest ze swoich stylowych utworów jazzowych i funk-met-rock za pośrednictwemPersonaseries, ale Meguro pracował także nad grami takimi jak Catherine, Devil Summoner: Soul Hackers i Super Smash Bros. Ultimate, wnosząc swój charakterystyczny styl do każdego tytułu. Muzyka Persony 5 wyróżnia się na tle innych, a zapadające w pamięć utwory, takie jak „Life Will Change” i „Last Surprise”, zabierają fanów w podróż podczas gry. Choć określenie „lepsze” jest kwestią subiektywną, kilka niedocenianych gier JRPG dorównuje muzycznemu wpływowi Persony 5 i ma równie silną, jeśli nie mocniejszą pozycję, jeśli chodzi o ścieżkę dźwiękową, a jej hity nigdy nie opuszczą mojej playlisty. Poniżej podzieliłem się niektórymi z moich niedocenianych ulubionych gier JRPG, które mogą konkurować z muzyką z Persony 5, co jest niezwykle imponującym wyczynem.

1 / 3

Obraz poprzez tri-Crescendo

Ta pozycja jest przeznaczona dla fanów muzyki klasycznej. Ścieżka dźwiękowa Eternal Sonata jest wyjątkowym przypadkiem, ponieważ gra w zasadzie skupia się wyłącznie na muzyce; a dokładnie muzykę klasyczną. Ścieżka dźwiękowa zawiera oryginalną muzykę Motoi Sakuraby oraz klasyczne utwory fortepianowe Fryderyka Chopina, jednego z wielu najwybitniejszych w historii muzyki. Fabuła gry koncentruje się wokół ostatnich godzin życia Chopina, aż do jego śmierci na gruźlicę. W tej grze JRPG gracze walczą u boku słynnego pianisty w walce turowej, przemierzając osiem rozdziałów skupionych wokół konkretnego dzieła Chopina. Zasadniczo gracze pilotują Chopina w stylu anime, gdy on i oddział innych figurek chibi walczą z potworami.

Wspaniała i dziwna ścieżka dźwiękowa zawiera mnóstwo solowych nagrań fortepianowych muzyki Chopina, znakomicie wykonanych przez pianistę Stanislava Bunina i/lub Petera Schmalfussa, a godne uwagi utwory, takie jak „Raindrops” i „Fantaisie-Impromptu” pojawiają się w sekwencjach bitew, przerywnikach filmowych i przerywnikach rozdziałów. Nie ma słów, żeby opisać mistrzowskie dzieło Chopina, ale brzmienie jest tym, co określiłbym jako intymne i wyraziste. „Fantaisie-Impromptu” jest przyjemnym utworem, szczególnie wplecionym w walki z bossami, ponieważ jest elektryzujący i szybki, ale schodzi na ziemię w wolniejszych, bardziej romantycznych momentach.

Większość ścieżki dźwiękowej gry stanowią oryginalne utwory Sakuraby. Kompozytor stworzył muzykę, która najlepiej uzupełniałaby twórczość Chopina na fortepianie. Powstała w ten sposób praca jest intensywna, imponująca, ciężka i dająca mnóstwo zabawy. Sekwencje bossów naprawdę błyszczą w twórczości kompozytora. „Scrap and Build Yourself” to jedna z moich ulubionych. Utwór jest pełen dramatyzmu i nadal utrzymuje brzmienie fortepianu, aby nie kolidować z klimatem muzyki klasycznej, ale buduje się i crescendo przy pomocy epickiego refrenu. Celem tej zabawy było przybliżenie młodszej publiczności twórczości Chopina i pokazanie, jak ponadczasowa jest jego muzyka niemal 177 lat później. W przypadku częściowo zapomnianego JRPG na PS3 z pewnością to się sprawdza.

1 / 3

Obraz za pośrednictwem Nautilusa

Mroczna i nastrojowa „Shadow Heart” jest na mojej drodze z horrorem i elementami nadprzyrodzonymi. Zostały one przetłumaczone na ścieżkę dźwiękową przez mały zespół kierowany przez Yoshitakę Hirotę. Hirota przez lata komponował muzykę i efekty dźwiękowe do kilku kultowych gier RPG i JRPG, w tym takich tytułów jak Final Fantasy 6, Final Fantasy 7, Final Fantasy 8, Chrono Trigger i Parasite Eve. Osadzona w mrocznej, nadprzyrodzonej wersji Ziemi około 1913–1914, przed I wojną światową, ścieżka dźwiękowa Shadow Hearts jest odzwierciedleniem jej atmosfery, z głębokimi dzwonkami, dudniącym basem i budującymi momentami orkiestrowymi, które sygnalizują walkę w połowie walki, podnosząc stawkę w tym procesie.

Chociaż w ścieżce dźwiękowej znajdują się momenty wysokooktanowe, są też momenty spokojniejsze, które tworzą poczucie niepokoju, wykorzystując dysonansowe nuty, które brzmią obco lub dziwnie dla ucha. Utwory takie jak „Reckless”, „Angel Heart” i „Someone's Table” sprawiają, że włosy jeżą mi się na karku. To nie są kawałki, przy których można siedzieć i się uczyć; są klimatyczne i podczas słuchania wywołują określone emocje, takie jak strach lub niepokój. Ścieżka dźwiękowa charakteryzuje się także dobrą równowagą momentów delikatnych i uspokajających, które skupiają się raczej na ukojeniu niż nastraszeniu. „Alice” jest tego doskonałym przykładem, wciąż nieco niesamowitym w swoim pozytywce, ale także przypominającym kołysankę.

Ścieżki dźwiękowe gier również zazwyczaj zawierają określone elementy nadane przez głównego kompozytora, niezależnie od tego, czy chodzi o priorytetowy charakter głównego instrumentu, czy o tworzenie odrębnego dźwięku, który pojawia się ponownie w całej grze. Gdy gracze będą słuchać, wybiorą kilka utworów z dużą ilością gitary basowej, specjalnego instrumentu Hiroty, wraz z wiolonczelą. Zawsze podobał mi się sposób, w jaki szczególnie horrory tworzą ścieżkę dźwiękową. Często podczas słuchania wyraźnie widzę odbicie DNA gry, a motywy stanowią kluczowy motyw wpływający na muzyczne decyzje kompozytora. Widać to wyraźnie w muzyce Shadow Heart, której utwory mają przenosić graczy w określony okres czasu, zanurzając ich w zamieszaniu i chwilach wytchnienia.

1 / 3

Zdjęcie za pośrednictwem Omega Force

Jeśli graczom brakowało małego obozu w swoim życiu, Wild Arms 5 powinno załatwić sprawę. Akcja tej turowej gry JRPG rozgrywa się na planecie Filgaia, gdzie science fiction spotyka się z Dzikim Zachodem, tworząc wyjątkowe połączenie, które mocno przypomina mi Cowboya Bebopa. Ścieżka dźwiękowa doskonale odzwierciedla scenerię, łącząc klimat Spaghetti Western z rockiem i jazzem, co nadaje grze niepowtarzalny styl stylistyczny. Choć nie mogę powiedzieć, że jestem fanem Zachodu, utwory takie jak „Boy Meets a Girl and ARMs” i „When the Heart Ignites” sprawiły, że zapragnąłem założyć kowbojski kapelusz i włóczyć się konno po rozległych równinach.

Główna reżyserka dźwięku i kompozytorka Junya Ishiguro współpracowała z zespołem utalentowanych osób, w tym z Masashim Hamauzu, najbardziej znanym z pracy nad serią Final Fantasy. Wiele utworów bitewnych ma charakter rockowy, wprawiając graczy w nastrój epickiej walki, natomiast momenty skrzypcowe i orkiestrowe można usłyszeć w utworach takich jak „A Muzzle Dancing in Hatred”. W szczególności ten utwór musi być jednym z moich ulubionych, łączącym klasyczne zachodnie brzmienie z czymś bardziej dynamicznym i wpływowym.

Początkowy riff zawiera zmysłową linię gitary, która przyspiesza, utrzymując swój impet za pomocą skrzypiec i warstw elektronicznych. Dziwnie zdarza mi się uderzać w StairMaster podczas odtwarzania tego utworu; jego motywacja popycha mnie do przodu nawet wtedy, gdy pojawia się zmęczenie. „When the Heart Ignites” wyróżnia się jako kolejny ponadczasowy utwór, mocno doprawiony zachodnimi motywami i gwizdaną melodią, która natychmiast mnie rozpala. Ścieżka dźwiękowa WildArms5 tak zręcznie splata gatunki, że nieustannie przypomina mi Personę 5 i wracam do poszczególnych utworów, gdy potrzebuję zastrzyku energii.

1 / 3

Obraz za pośrednictwem Sacnoth

Koudelka to gra JRPG w stylu horroru, której niesamowita ścieżka dźwiękowa orkiestry i surowa muzyka bitewna doskonale odzwierciedlają atmosferę gry. Ciekawostka: jest prekursorem ShadowHearts, kolejnego tytułu znajdującego się na tej liście. Akcja rozgrywa się w Walii w 1898 roku, gdzie trzech odkrywców zostaje wplątanych w złowieszczy klasztor Nemeton. Badając ponurą przeszłość klasztoru, odkrywają, że sprawy są o wiele bardziej złowrogie, niż się wydaje. Pomyśl o Koudelce jako o oryginalnej grze ResidentEvil zderzającej się z FireEmblem: ThreeHouses – wraz z niepokojącym, wstępnie renderowanym tłem, statycznymi pozycjami kamery, elementami puzzli i taktycznym systemem walki opartym na siatce.

Mając na uwadze fabułę i atmosferę, powstała ścieżka dźwiękowa ma być zapadająca w pamięć i piękna. Chóry śpiewające aranżowane utwory biblijne i miękkie, ponure skrzypce zestawione są z optymistycznymi, industrialnymi utworami przerywanymi mocną perkusją, takimi jak „Kiss Twice” czy „Patience”, które brzmią, jakby zostały wyrwane z gry Crash Bandicoot. „Dead” to jeden z moich ulubionych utworów z aranżacją smyczkową Nicka Ingmana. Utwór jest niesamowicie piękny i smutny, pozbawiony jakiejkolwiek dodatkowej perkusji, same smyczki.

„Waterfall” to szczególnie ukochana piosenka odtwarzana podczas bitwy. To kolejny optymistyczny wpis, w którym stale słychać tamburyn i coś, co brzmi jak flet pana, nadając średniowiecznej atmosferze. Ścieżka dźwiękowa Koudelki jest pełna wspaniałych momentów zarówno dla fanów horroru, jak i przygodowych gier akcji. Sekwencje bitew są optymistyczne, a napięte momenty mają podkład muzyczny, który przenosi słuchaczy do mrocznego klasztoru w Walii, skrywającego jeszcze mroczniejsze tajemnice.

1 / 3

Zdjęcie za pośrednictwem ArtePiazza

Jeśli szukasz czegoś dziwacznego i zabawnego do słuchania w drodze do domu (lub podczas pisania tak jak ja), ścieżka dźwiękowa Opoony załatwi sprawę. Każda piosenka jest niezwykle klimatyczna i ma całkowicie niepowtarzalny klimat, niepodobny do niczego, co słyszałem wcześniej ani później. Najlepszym sposobem, w jaki mogę opisać ścieżkę dźwiękową tego Wii JRPG, jest funky, z momentami orkiestrowymi tu i tam, zmieszanymi z elektroniką i techno, co sprawia, że ​​mam ochotę wstać i dać się ponieść rytmowi.

Po awaryjnym lądowaniu na tajemniczej planecie Landroll młody kosmita Opoona zostaje oddzielony od rodziców. Małe stworzenie musi nauczyć się samodzielnie przetrwać w nowym świecie, samodzielnie tworząc dla siebie nowe życie. Mając w pamięci podróż Opoony, muzyka nabiera dużo większego sensu. Jest coś fantastycznego w dźwięku stworzonym przez Hitoshiego Sakimoto. Utwory takie jak „Beginning” i „Opoona” przygotowują gracza na to, co ma nadejść, wprowadzając go w nieznany świat. „Opoona's Step” to jeden z moich ulubionych utworów, powtarzalna mała wycieczka, która ukazuje kroki Opoony w zupełnie nowy świat, ze świeżą twarzą i szeroko otwartymi oczami.

Każdy utwór ma budzić poczucie zachwytu, a nieznane melodie i instrumenty wtapiają się w standardowe bity, aby uzyskać obcy klimat. Dziwny świat jest dla graczy nowością, podobnie jak towarzysząca mu muzyka. Jeśli miałbym porównać te utwory do czegokolwiek, co słyszałem wcześniej, byłby to album Biophilia Bjork. Każdy dźwięk jest wyjątkowy, ponieważ ma wywoływać określone uczucia. Do moich ulubionych utworów zalicza się „Space Ship”, który jest eksperymentalny i daje mnóstwo frajdy, a także „Earth Prison”, który jest mroczniejszy i bardziej szorstki w porównaniu z resztą ścieżki dźwiękowej.